J'ai le désir de par la création de ce fil de pouvoir échanger avec tous les forumeurs, qui ont envie d'amener leur photographie à un autre niveau, qui s'intéresse plus à la création artistique et à l'accomplissement du photographe en tant qu'artiste plutôt que technicien.
Je souhaite pour se faire m'appuyer, par exemple, sur des essais de photographes que j'ai pu lire et qui me semble pertinents comme base de discussion sur un sujet donné.
Vous l'aurez compris, point de discussions matériel ici, je vous en prie, il y a assez de sections et sous sections pour cela sur DxD.
Index des différentes publication sur ce fil:
Page 1: Créer des photos significatives.
Page 7: Comprendre la critique partie 1: Les différents visage de la critique.
Page 21: Comprendre la critique partie 2: Répondre aux critiques.
Page 25: Comprendre la critique partie 3: Quelques mots sur la persévérance
Page 26: L'art de perdre son temps
Page 33: Dites simplement oui partie 1
Page 34: Dites simplement oui partie 2
Page 35: Everything Matters
Page 40: Lumière, sujet ou composition?
Pour commencer j'ai choisi de vous traduire un essai d'Alain Briot "Creating Meaningful Photographs", publié sur Luminous Landscape.
Alain Briot crée des photographies d'art, anime des ateliers et propose des tutoriels sous forme de DVD. Originaire de Paris, il a étudié aux beaux arts la peinture et le dessin pendant 5 ans. Après les beaux-arts il étudia 4 ans au centre franco-américain de Paris avec certains des photographes les plus renommés de l'époque, aussi bien américains que français.
Depuis 1986 il vit en arizona, possède une galerie où il vend son art. Il est devnu l'un des photographes du Grand Canyon National Park les plus reconnus. Plus d'infos sur son site: http://www.beautiful-landscape.com
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Créer des photos significatives
1- Introduction
Je crois qu' afin de faire des photos significatives, apprendre l'art de voir et de la vision est aussi important que d'apprendre l'outil et la technique. Après plus de 15 ans d'avancées majeures dans la photographie numérique, il est nécessaire pour les photographes artistiquement inclinés, de se concentrer sur les aspects artistiques de la photographie, sur l'essence de la vision et de l'expression personnelle, et sur ​​les aspects fondamentaux de la photographie en tant qu'art.
Du temps de la photographie chimique, les Maîtres ont créé des images émotionnellement puissantes sans toutes les fonctionnalités que la photographie numérique nous donne. Les techniques qu'ils utilisaient étaient moins nombreuses et plus simples. Elles faisaient correspondre, par exemple, les propriétés des films à des émotions visuelles spécifiques. Alors qu'avoir moins d'options et un moyen plus simple limitait leurs possibilités, cela fournissait également un chemin plus direct vers l'expression d'émotions et de leur vision.
Aujourd'hui, avec la photographie numérique, il ya une tendance à se concentrer davantage sur la technologie et moins sur l'expérience émotionnelle qu'une image peut apporter à l'esprit du spectateur. En un sens, les multitudes de possibilités que la photographie numérique offre et les défis offerts pour apprendre à maîtriser ces possibilités, détourne notre attention loin de l'expression des émotions et de la vision de notre travail.
Toutefois, afin de laisser une impression durable, de devenir emblématique, pour devenir un chef-d'œuvre, une photographie doit atteindre à la fois l'impact émotionnel et l'excellence technique. Elle doit démontrer la maîtrise de l'outil et de la technique ainsi que la maîtrise de la vision et de l'expression.
Nous pouvons faire ce que les Maîtres ont fait. Nous avons juste besoin d'ajuster la façon dont nous utilisons les outils, logiciels et supports d'impression pour créer des photographies qui démontre un impact émotionnel et une excellence technique.
2- Le sujet n'est pas assez
Il ya deux principaux éléments à la création d'une bonne photographie:
A - Ce que le sujet nous apporte:
- - Possibilités d'inspiration
- Qualité de la lumière
- Possibilités de composition
- Objet (subject matter)
B - Ce que nous apportons au sujet:
- - Capacité à reconnaître la qualité de la lumière
- Capacité à tirer parti des possibilités de composition
- La maîtrise de notre appareil photo et autres outils
- L'ouverture à des possibilités d'inspiration
- Qualité de notre post traitement et d'optimisation de l'image
- Mesure dans laquelle nous utilisons notre licence artistique
- Mesure dans laquelle nous faisons la promotion de notre travail pour le faire connaître
Nous ne pouvons pas dépendre uniquement de ce que le sujet nous apporte. Nous devons apporter quelque-chose au sujet, dans des proportions égales à ce qu'il nous apporte. Lorsque vous ne pouvez pas compter sur l'impact du sujet seul, vous devez apporter plus à ce sujet. C'est le cas de sujets qui sont moins spectaculaires, plus calme, moins impressionnant. Dans ces cas, la façon dont vous approchez le sujet devient plus important que ce que le sujet offre.
S'appuyer à 100% sur ce que le sujet vous apporte n'est pas suffisant pour créer des photos qui vont au-delà d'un enregistrement documentaire.
Afin de créer des images expressives (par opposition aux photographies documentaires) vous avez à faire au moins autant pour le sujet que ce que le sujet vous apporte. En fait, vous avez généralement à apporter plus que ce qu'il vous donne. Cela signifie transformer le sujet de ce à quoi il ressemble pour tout le monde, en ce à quoi il ressemble pour vous en particulier.
3- Les mouvements d'Ansel Adams ("The Ansel Adams Moves", en références aux "chess moves", les mouvements ou coups, aux échecs)
J'ai un immense respect pour Ansel Adams. Je collectionne son travail et ses livres ont été les premiers que j'ai lu quand j'ai commencé à étudier la photographie. Adams a fait de nombreuses modifications à ses photographies afin d'exprimer sa vision personnelle de la scène et pas seulement montrer ce que la caméra a capturé. Cependant, il s'est limité à des changements spécifiques. J'appelle ces changements "The Ansel Adams Moves". Les raisons de ces restrictions étaient dues à la technologie disponible à l'époque et aux choix artistiques de Adams.
Ces mouvements peuvent être résumés comme suit:
- - Transformation de la scène originale en couleur en une image en noir et blanc
- - Modification du contraste global de la scène pendant le développement du film
- - Modification du contraste local de la scène grâce au "Dodging and Burning"
- - Modification du contraste local par traitement chimique locale
- - Spotting pour enlever la poussière et autres artefacts indésirables
- - Recadrage de l'image originale capturée par la caméra
Les mouvements qu' Ansel Adams a fait avec la photographie chimique sont importants. Ils ont été largement acceptés par les photographes travaillant à la fois le film et la photographie numérique. Tous ces mouvements peuvent être faits avec la photographie numérique, avec l'avantage d'un niveau de contrôle. Cependant, on peut faire beaucoup plus avec la photographie numérique. Pourtant, de nombreux photographes numériques se limitent aux mouvements d'Ansel Adams. Pour utiliser plus de ce que le numérique a à offrir, j'ai personnellement décidé d'aller au-delà de ces mouvements et ajouté "Les Mouvements d'Alain Briot" suivants:
- - Etirement et déformation d'éléments importants de l'image, comme les chaînes de montagnes
- - Modification radicale de la palette de couleurs présentes dans l'image capturée par la caméra
- - Suppression d'éléments importants de la photographie tels que les rivières, les arbres, les rochers, etc
- - Déplacement d'éléments importants de l'image d'une zone de la photo à une autre
- - Duplication d'éléments significatifs
- - Combinaison d'éléments de plusieurs photos en une seule image
- - Assemblage de photographies à des fins de composition (pas pour augmenter la résolution)
Ces mouvements sont motivés par le désir d'utiliser plus de ce que l'imagerie numérique a à offrir et afin d'exprimer ma vision artistique. J'explique le raisonnement derrière cette approche plus en détail dans un autre essai intitulé "Artistic License".
4- Remarques sur la nouveauté et le "pas si nouveau"
Beaucoup de choses qui étaient difficiles à maîtriser avec le film sont devenus faciles à réaliser avec la photographie numérique . En conséquence, notre concept de ce qui est « banal » ou « monnaie courante » a changé . Nous voyons maintenant sur ​​Facebook le travail de photographes débutants qui correspond, techniquement parlant, au travail qui a déjà été réalisé par des professionnels expérimentés et que l'on trouvait uniquement dans des galeries ou des musées . Aujourd'hui, pour que nous soyons surpris par une photographie, pour que nous nous y attardions, l'image doit aller au-delà de ce que nous voyons tous les jours autour de nous.
Comme le temps passe, nous nous habituons aux choses. Certains types de traitement qui nous ont impressionné il ya quelques années sont maintenant considérés comme étant communs. Devenant prévisibles, nous ne sommes plus impressionnés par ceux-ci. Pour que notre travail soit remarqué, nous devons aller plus loin et faire quelque chose de nouveau. Ceci est le résultat du traitement numérique devenu largement disponible et utilisé par un grand nombre de personnes .
Lorsque cela arrive, il est utile de se demander si nos photos sont intéressantes parce qu'elles font usage de «nouveaux» , mais superficiels effets, effets qui deviendront monnaie courante? Est-ce leur nouveauté qui les rend intéressantes, et deviendront-elles communes lorsque cette nouveauté aura disparu?
Ou, nos photos sont-elles intéressantes car elles mettent l'accent sur ​​des valeurs artistiques fondamentales? Sommes-nous en train de créer des images qui véhiculent des sentiments et des émotions, des images qui vont au-delà d'une simple description de l'objet? Si c'est le cas, ces images sont plus susceptibles d'avoir une valeur durable que des images faisant usage de techniques superficielles.
5- Un défi grandissant
La photographie numérique devenant de plus en plus courante, prendre simplement une photo ne suffit plus. Nous devons faire beaucoup plus que d'aller à des endroits intéressants et mitrailler à tout va. Nous devons devenir des photographes plus sophistiqués afin de nous élever au-dessus des masses de nouveaux "photographes".
Ce processus commence par l'apprentissage des aspects fondamentaux de la photographie. Ces aspects fondamentaux comprennent l'apprentissage de la lumière et de la composition. Cela intègre également l'apprentissage de votre appareil photo, jusqu'à ce qu'il devienne un prolongement de votre corps plutôt qu'un dispositif étranger que vous essayez de comprendre chaque fois que vous l'allumez. Vous voulez que l'appareil soit votre ami, pas quelque chose contre lequel il faut se battre à chaque étape, car il refuse de faire ce que vous voulez.
En bref, nous devons devenir plus sophistiqués. Ce résultat est obtenu en travaillant plus fort que les autres photographes et en faisant ce qu'ils ne sont pas disposés à faire. Cela comprend l'étude des choses qu'ils n'étudient pas, car ils ne les considèrent pas importante. La réussite a un coût: nous devons faire ce que ceux qui échouent ne sont pas disposé à faire.
Le but des ateliers, tutoriels et autres matériels didactiques est de vous donner les outils, les exercices, la pratique et surtout la méthodologie pour devenir unique, être au-dessus de ceux qui prennent la «route facile» parce qu'en art, la route facile ne mène nulle part, sauf là où d'autres sont allés avant. En art, seules les choses nouvelles sont d'intérêt pour les collectionneurs d'art et les admirateurs. Ce qui a déjà été fait n'a pas d'intérêt en ce qui concerne le développement d'un style personnel, être unique, se faire un nom, être remarqué, ou devenir un véritable artiste.
6- Questions importantes concernant ce qui précède
Afin de développer un style personnel, vous devez vous forgez des opinions personnelles sur ce que vous aimez et n'aimez pas dans l'art. Développer un style commence par exprimer visuellement, dans votre travail, vos opinions personnelles sur ce que vous aimez et n'aimez pas. Ce processus commence en vous posant des questions. Voici quelques-unes des plus importantes :
- - Qu'est-ce que le sujet signifie pour moi?
- - Comment est ce que je me sens en regardant ce sujet?
- - Quelles sont les émotions que je ressens?
- - Qu'ai-je envie exprimer dans mes photos?
- - Comment est ce que je souhaite partager mes émotions avec mon public?
- - Ai-je trop compté sur ce que le sujet me donne et pas assez sur ce que j'apporte à ce sujet?
- - Est ce que j'attends trop du sujet?
- - Quelle direction ai-je envie de donner à ma photographie?
- - Quel est le but de ma photographie?
- - Est ce que je me limite aux mouvements d'Ansel Adams?
- - Ou, est ce que je puise dans les capacités créatives infinies offertes par le traitement numérique?
- - Si oui, laquelle de ces possibilités est ce que j'utilise? Quelles sont celles que je n'utilise pas?
- - Quelles sont les couleurs, formes, approches artistiques, que j'aime ou n'aime pas?
7- Enseignement et éducation
Dans «éducation», il y a l'école et la vraie éducation, paideia, pour utiliser le terme grec.
L'enseignement est la façon dont nous acquérons des compétences et des connaissances. L'éducation est ce qui fomente l'âme.
Le sens littéral de Paideia est «l'éducation des enfants". Le terme se réfère au fait que nous sommes tous somme des enfants quand il s'agit d'apprendre quelque chose de nouveau. Nous commençons par ne pas savoir et à travers la Paideia nous nous instruisons. Personne ne commence par la connaissance, pas même l'enseignant. Chacun d'entre nous passent par le même processus d'aller de l'enfance vers la connaissance. Nous suivons ce processus pour chaque nouveau sujet que nous décidons d'étudier.
Appliqué à la photographie, c'est la différence entre apprendre à utiliser l'appareil photo, la lumière et la composition et de savoir comment exprimer des émotions et une vision dans notre travail. L'enseignement est l'apprentissage de la technique de la photographie. L'éducation est apprendre l'art de la photographie.
8- Conclusion
La peur de la critique est la première raison pour laquelle la plupart des photographes se retiennent et ne développe jamais un style personnel. Ils ont peur que de révéler trop d'eux-mêmes dans leurs photographies ne les expose à la critique. Pour masquer cette peur ils mettent en avant une série de problèmes tels que « je ne suis pas assez bon », « je n'ai pas le bon équipement », « j'ai besoin d'en savoir plus », ou « Je ne connais pas cet endroit assez bien », « je ne suis pas un artiste », et ainsi de suite .
La solution pour se débarrasser cette peur est de se concentrer sur les récompenses au lieu des risques. La critique est une réalité. Je mentirais si je disais qu'elle n'allait pas venir à votre rencontre. Je reçois ma part de critique régulièrement, sinon quotidiennement au moins chaque semaine. Cependant, les récompenses que je reçois de mon travail dépassent largement cette critique. C'est ce qui me donne envie de continuer et d'aller plus loin. Je ne prête pas beaucoup d'attention à la critique. Je fais attention aux commentaires positifs que je reçois. Je fais attention à la façon dont mon travail touche de manière positive et les différences qu'il crée aux yeux des autres.
Faites la même chose . Concentrez vous sur les récompenses, pas sur le risque. Vous serez étonné de voir les résultats que vous obtenez.
Alain Briot,
Vistancia, Arizona
June, 2012
je sors !
tout à fait d'accord avec cette phrase bien résumé.. Je m'efforce à dire à ceux qui me rit au nez en voyant mon petit nex de base que ça ne sert à rien d'avoir du matos à chépacombien si derrière l'objectif il y a pas quelqu'un qui compose proprement la photo..
je ne parle pas du contenu 