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Bonsoir Frédéric,

J'avoue ne pas avoir boudé mon plaisir quand j'ai découvert ton nouveau reportage que tu nous fais partager ayant pour sujet le musée de Grenoble .
Comme à ton habitude, ces photos sont superbes avec un parti pris tant au niveau du sujet, de la prise de vue ou que du matériel utilisé .
En effet, tu nous annonces l'arrivée d'un Konika C35 EF3 dans ta panoplie..mais kesako ?

C'est un 24x36 argentique automatique des années 1980, de cette époque où la tendance était aux appareils les plus compacts et les plus simples, aux appareils de poche, et c'est ce qu'il est. Konica a sorti toute une série de ces petits C35, souvent joliment colorés, et le EF3 est le sommet de la gamme. Leur principale caractéristique est la mise au point en "zone focus" : on n'a pas besoin de faire le point, on choisit simplement un des quatre préréglages de distance disponibles (1 mètre, 1,5 mètres, 3 mètres et Infini, symbolisés par de petits pictogrammes), dont le troisième est d'ailleurs en plus une sorte d'hyperfocale. Comme il n'y a aucun réglage d'exposition à faire (hormis la sensibilité du film, évidemment), la prise de vue peut être extrêmement rapide : on a juste à cadrer. Ce n'est pas un réflex, le cadrage se fait — comme dans les télémétriques, sauf qu'il n'y a pas de télémètre — à l'aide d'un cadre dessiné dans le viseur, avec une correction de parallaxe pour les sujets très rapprochés. L'autre atout de l'appareil, c'est son objectif : un Hexanon 35mm 2.8. Celui des premiers C35 était déjà bon, celui du EF3 est réellement remarquable !

Beaucoup de choses ont déjà été faites en photo et on nous fait croire qu'il faut pour réaliser de bonnes photos un attirail digne d'un rayon de la fnac pour soi tout seul...
Pourquoi ce choix d'appareil somme toute… très basique hormis un goût certain pour l'argentique ?

Je cherchais depuis longtemps un petit appareil que je puisse avoir toujours avec moi, glissé dans ma sacoche d'ordi, dans mon manteau, etc., et qui soit justement « basique » : léger, certes, mais costaud ; avec la meilleure qualité d'image possible, mais rapide à mettre en œuvre ; discret, mais tenant bien en mains ; pas trop cher, parce que destiné à être trimballé sans ménagement ; etc. Ma première idée, évidemment, a été de chercher du côté des compacts numériques, mais je n'étais jamais convaincu : trop fragile, ou trop cher, ou trop sophistiqué, ou trop minuscule, ou pas de viseur, ou image médiocre, ou même tout ça à la fois… Comme j'ai effectivement « un goût certain pour l'argentique » (on pourra en reparler), j'ai creusé sans frémir le sujet des compacts à pellicule. Je suis parti d'abord sur l'Olympus Myu II, pour la réputation de son optique et par révérence pour le 1999 de Franck Horvath, mais l'exemplaire familial que j'ai récupéré ne fonctionnait plus, et, renseignements pris, c'est un appareil assez peu durable, et plein de défauts agaçants. Bref, après quelques recherches, je suis tombé sur le C35, qui est sinon idéal, du moins assez congruent à ce que je cherchais. En plus, il a une bonne bouille, qui donne envie de s'amuser avec.
Pour rebondir sur ce que tu dis à propos de tout cet attirail hyper-sophistiqué qui serait nécessaire au photographe sous peine de déchoir, je pense que j'ai un rapport assez tranquille au matériel photographique. D'un côté, je ne suis pas un "lomographiste" persuadé que la poésie ne naît que de la fuite de lumière… ; il y un certain niveau de qualité et de sérieux en dessous duquel je ne souhaite pas descendre. D'un autre côté, je ne suis pas technophile et n'ai aucune fascination particulière pour le matériel ; attendre fébrilement de pouvoir tester le nouveau "Loxia" ou les 400 collimateurs du dernier Sony, ça n'est pas trop mon truc… J'utilise un D600 dont le pad multifonction a été arraché il y a plusieurs mois, c'est te dire si je suis dépendant de réglages raffinés…
Comme je l'ai déjà dit ici-même, si j'étais plus courageux que je ne suis, je garderais un seul boitier, une seule focale fixe, et j'enverrais balader tout le reste. Qui sait, j'ai peut-être trouvé mon graal avec ce petit Konica : je prendrai un sac brodé de hippie, comme Bernard Plossu, j'y mettrai un Rimbaud et des rouleaux de péloche, et on taille la route !

Cette focale (35 mm) a été utilisée par de nombreux photographes de rue avec le 50 mm et elles sont encore plébiscitées par de jeunes photographes. As-tu quelques noms ou images de photographes de rue qui t'inspirent et forcent ton admiration ?

Les photographes que j'admire, et même que je vénère, sont nombreux, et ont presque tous fait de la photographie sinon "de rue" au sens strict, en tout cas "urbaine" au sens large, et du portrait. Je n'ai rien contre la Nature, et même je la trouve jolie et oxygénante, mais photographiquement elle ne me bouleverse pas vraiment. Je peux être arrêté un moment par la perfection technique d'une photo de chouette en vol, mais ça ne me donne pas envie d'en faire autant, ou alors juste par "défi sportif" ; c'est joli à voir, mais c'est la joliesse de l'exactitude et de la netteté, rien de plus. La photographie n'a de sens pour moi que si elle ajoute à ce que j'ai sous les yeux — et évidemment cette part supplémentaire est affaire de ressenti personnel, chacun la sienne selon son vécu, sa culture, son tempérament, etc. Dans mon cas, les images que j'admire sont d'un genre plutôt sérieux, pensif, "littéraire", dense, parfois âpre, voire dérangeant : rien ne m'ennuie plus que l'esthétique hygiéniste, et ces images qui transpirent à grosses gouttes la technologie sophistiquée qui a servi à les produire…
Je ne vais pas me lancer dans une longue liste de noms, mais plutôt vous proposer trois images totalement différentes, qui sont pour moi, parmi bien d'autres évidemment, des exemples de la vraie puissance de la photographie.

1. Anders Petersen. C'est justement fait au 35mm.


2. Alex Webb. Au 35mm aussi.


3. André Kertész, "Martinique, 1972", dans la version finale, recadrée (sur le négatif, on devine plus à gauche une seconde silhouette et un bout de tube).



Cela doit être vraiment motivant de réussir à produire des photos avec si peu Quand je regarde celle d'Anders Petersen, je la trouve vraiment très bien construite et pleine de sens…
Il est coutume de dire que ses photos sont la transcription de ses affects. T'attaches-tu juste au côté graphique de cette prise de vue ou y lis-tu aussi une histoire ?

Que voilà une question facile
Je ne lis jamais une "histoire" dans une image, au sens d'une narration. En revanche, pour moi, une photo réussie se présente comme un bloc, une épaisseur, elle est forcément lestée d'allusions, de mémoire, de symbolisme, de résonance charnelle, même… Le graphisme serait peut-être une sorte de liant à tout ça, l'énergie qui met tous ces atomes de sentiments en mouvement, qui les fait pénétrer en moi ?
Dans le cas de cette image de Petersen, on peut penser avec les fléchettes à la "flèche de Cupidon", mais dans le même temps à une certaine agressivité latente, une violence à l'égard de la jeune femme, un symbolisme sexuel, pourquoi pas (comme le rapt mythologique, dans les tableaux classiques, avec le centaure sombre qui enlace la nymphe blanche, ou la tête coupée de Méduse, etc… ) On peut penser aussi à une sorte de cadran d'horloge (il y a même des chiffres), donc à la jeunesse qui s'enfuit, ou au contraire au retour du souvenir… Le soleil aussi, avec ses rayons figurés sur la cible, entre en scène pour renforcer ce symbolisme temporel… Tous ces éléments, heureusement, ne contredisent pas mais enrichissent l'apparence immédiate de l'image : l'intimité gracieuse d'une joyeuse scène de bar, la beauté solaire d'un visage parfait (et parfaitement découpé), etc. Tout ça "déboule" d'un coup au premier regard, on est enrichi par ce qu'on voit, sans même l'analyser.

Celle d'Alex Webb n'est pas en reste… la couleur est un de ses partis pris dans son genre…
Bien que tes prises de vue soient souvent en NB, il t'arrive de nous présenter des photos graphiques aux tons vifs et tranchés. Que penses-tu que cela apporte à ta photo et comment se fait ton choix hormis la contrainte de la pellicule dont tu disposes à l'instant de la prise de vue ? Y a t il des photos que tu ne fais pas justement de ce fait là ?

À vrai dire, j'ai très peu d'hésitation à choisir entre NB et couleur : je "sens" l'image comme ci ou comme ça, le plus souvent immédiatement, à la prise de vue. Ces choix sont peut-être mauvais aux yeux des autres, mais ils sont pour moi évidents et rapides, sauf exception.
Si j'ai uniquement avec moi un appareil chargé de pellicule NB, ce qui pourrait paraître limitant, en fait je ne fais même plus attention aux couleurs, elles ne m'intéressent plus, je ne suis plus attiré que par les formes et les contrastes.
D'une façon générale, je ne cherche absolument pas à avoir un rendu qui me soit personnel et constant, à avoir un "style" (pour employer un très gros mot). C'est exactement le contraire : je voudrais que chaque image ait DU style, son style à elle, le seul qui lui convienne. Évidemment, elles se ressemblent malgré tout, à cause de mon tempérament, à cause de mon matériel, et surtout à cause de mes limitations : je ne fais que ce que je sais faire. Mais une chose à tenter, ça serait de photographier un sujet très limité (un seul quartier, une seule personne, ou même un unique arbre, un vase… ), mais de cent façons différentes, dans tous les formats, avec tous les rendus, comme si c'était le travail de cent photographes, et non pas le mien. (J'ai fait un peu ça, mais très modestement, avec le Père-Lachaise, ou avec "90 minutes".)

J'en reviens à ta dernière sélection, la photo d' André Kertész.
Malgré une construction graphique intéressante, cette photo me laisse de marbre...
Qu'est ce qui te touche ? quelle lecture en fais-tu ?

Eh bien pour moi, c'est la quintessence de la photo de mer ! La mer, à mon sens (je parle de la mer photographique et symbolique), ce n'est pas une profondeur bleue et salée dans laquelle on se noie, ou sur laquelle jouent des reflets. La mer, c'est un trait ; c'est le désir d'horizon. D'horizon, et pas de voyage, ou d'exotisme, ou de grand air, etc. Et comment peut-on mieux symboliser cela que par l'image d'une silhouette fantomatique, — enfermée derrière une vitre et une grille comme une idée fixe dans un cerveau mélancolique —, et qui voit venir à lui — sans aucune psychologie perceptible — le peu d'horizon disponible, sans qu'on sache jamais s'ils se rejoindront ? Une mer réduite à sa plus pure expression, sans aucune séduction "balnéaire", sans plage ni soleil, sans héroïsme non plus : juste un trait qui vient contredire d'autres traits, un angle qui vient percuter d'autres angles. Le personnage flouté par la vitre est lui-même comme un nuage noir au-dessus de l'horizon qui répond aux nuages du ciel. Ça n'est pas "plaisant", certes, mais on ne fait pas plus extraordinaire dans la simplicité profonde. (Parce qu'être simple n'est rien, c'est être dense qu'il faudrait.) Et le génie de Kertész de comprendre qu'il peut laisser l'horizon pencher, que l'image est bien plus forte ainsi !
Quand il est arrivé chez Life, les rédacteurs lui ont retoqué ses photos parce que, lui ont-ils dit, elles « parlaient trop » : elles étaient trop riches de sens ! Quel beau compliment involontaire !

J'avoue mon incompréhension à saisir ta notion de quintessence de la mer… .
De mon côté, si je devais choisir en une seule photo cette idée-là, je reviendrai encore et encore sur celle de Jacques Henri Lartigue




On y ressent je trouve toute la puissance des éléments et leur domination sur l'Homme en même temps qu'une certaine idée du rapport que l'Homme a toujours entretenu face aux océans dans ce qu'ils peuvent représenter de voyage, d'inconnu, de combat comme de laisser aller.
Tu noteras aussi l'horizon bancal qu'à coup sûr aujourd'hui on proposerait de redresser alors qu'au fond il apporte une telle force à la photo

Une image magnifique, d'ailleurs pas si opposée à la précédente : c'est toujours une silhouette face à l'horizon (qui penche, dans les deux cas ). Je comprends parfaitement ton ressenti, mais celle de Kertész me touche plus, parce qu'elle est moins lyrique, plus concentrée…
Lartigue, c'est sûrement le plus sous-estimé des photographes fameux. Je pense qu'il a beaucoup pâti d'avoir participé à un milieu riche et insouciant ; son audace formelle et son inventivité sont infiniment plus grandes que celles de son ami Doisneau, par exemple, mais Doisneau photographiait les "vrais gens" (comme on dit si stupidement), ce qui rend facilement populaire…

Lartigue est d'ailleurs un photographe particulièrement intéressant tant pour ses clichés pleins d'originalité pour l'époque que par son approche de la photo qu'il jugeait insuffisante comme média et qu'il a complété par l'écriture et la peinture. Seule la photo reste dans le souvenir collectif ayant été plutôt classique dans son approche artistique pour le reste.
La photo se suffit elle à elle même à ton sens ? D'autres arts sont-ils plus complets ?
La photo doit-elle d’ailleurs constamment s'opposer à la peinture par exemple ?

Comme "spectateur", je ne ressens aucun nécessité de dresser des barrières entre les arts : si un photographe éprouve le besoin d'écrire des textes sur (ou à l'encontre de) ses images, ou de leur donner une nature picturale, etc., ça ne me gêne pas a priori — et même ça m'intéresse : le résultat me parlera ou pas, c'est tout. Vouloir que la photo soit "pure" au nom de je ne sais quelle rigueur de principe, c'est un peu dommage comme étroitesse…
Maintenant, comme "producteur", ce n'est pas ce que je pratique. D'abord parce que j'ai déjà bien assez de mal à ne pas être totalement dépassé par les possibilités et les embûches de la seule photographie. Et aussi simplement par goût : j'aime mieux faire une image qui n'avoue pas sans détours qu'elle est inspirée par ce que je sais de la littérature ou la peinture, plutôt qu'une image qui a une allure de tableau — même si celle-là peut me plaire beaucoup si elle est produite par quelqu'un d'autre

L'art d’ailleurs semble intéresser au point de faire une série sur le musée de Grenoble. Pourquoi ce choix ?
Au vu des photos urbaines que tu aimes et qui souvent impliquent une présence humaine, que recherches-tu dans ces prises de vue beaucoup plus statiques ?

Je cherche à varier les plaisirs et à me dépayser !
Je cherche à me confronter à des objets qu'on ne rencontre pas ailleurs, cocasses, étranges, beaux… et très patients ; à les mettre en valeur du mieux que je peux, en essayant d'être à leur niveau, ou au contraire à les contrarier…
Je cherche à prendre mon temps, à réfléchir tranquillement à ma prise de vue, sans être bousculé, dans un endroit climatisé

La dernière photo que tu présentes avec ce superbe hommage à Matisse et que j'ai choisie de mettre en avant cette semaine m'intrigue vraiment beaucoup…
Peux-tu nous en dire un peu plus ?
Avais-tu anticipé dès la prise de vue ce jeu extrêmement réussi et audacieux qui permet de faire le lien entre la sculpture et la peinture ?
Comment t'y es-tu pris ?

L'idée du diptyque, non, je ne l'ai pas eu tout de suite. L'intuition de départ, c'était de faire un pur aplat — l'image de droite, donc — pour rappeler (vaguement ) les "papiers découpés" de la fin de la carrière de Matisse. C'est réalisé en PT en jouant sur la courbe des tons, à partir d'une image la plus équilibrée possible à la prise de vue, avec une faible pdc.
Mais une fois obtenue cette silhouette, je trouvais qu'elle ne parlait pas vraiment à qui n'aurait pas su d'avance de quelle sculpture il s'agissait. Il faut dire que la forme de cette tête féminine est peu conventionnelle, pas facilement lisible. C'est pour ça que j'ai voulu faire une sorte d'avant/après qui montrerait d'où provenait cet aplat noir, et qui en même temps confronterait le Matisse "jeune sculpteur" et le Matisse "vieux peintre", en quelque sorte. Pour ça, il me fallait, à partir du même fichier, un rendu le plus "sculptural" possible. J'ai appliqué grâce au mélangeur de canaux de Lightroom un NB argenté qui fait rejaillir les surfaces brillantes, avec beaucoup de clarté positive. Et j'ai mis les deux images face à face…

Un débat sur l'argentique a récemment été ouvert sur le forum et, étonnamment, car ils sont souvent discrets, nombre de membres le pratiquent encore
En quelques mots… que t'apporte la pratique de l'argentique par rapport au numérique ? Pourquoi ce choix semble-t-il s'imposer de plus en plus dans ton travail ?
N'y a-t-il pas là un refus du progrès et une stagnation qui pourrait te bloquer dans tes recherches photographiques ?

D'abord et avant tout, il s'agit de plaisir. Comme l'ont dit beaucoup d'intervenants dans le débat que tu mentionnes, il y a un plaisir pour ainsi dire physique à manipuler ces anciens boitiers : la simplicité des fonctions ; la construction finement usinée ; la tension du levier d'armement ; le film qui selon son type et sa sensibilité va imposer une certaine esthétique, et qu'on installe précautionneusement après l'avoir sorti de sa boite, puis qu'on rembobine lentement ; l'attente à la fois anxieuse et joyeuse du résultat… On a l'impression de faire quelque chose de vrai, et en même temps d'un peu ritualisé, sorcier. Et il y a un plaisir aussi grand à tirer parti des contraintes, à être soigneux, à être plus imaginatif que son matériel, à tenter de faire beaucoup avec peu, plutôt que peu avec beaucoup…
Ensuite, bien sûr, il y a le rendu argentique proprement dit. Comme je ne suis pas absolument attaché à la netteté forcenée et à la propreté hystérique de l'image, mais qu'en revanche je le suis beaucoup à une certaine vibration, et à la dynamique la plus large possible, le négatif me convient et me convainc.
Il n'empêche que je fais malgré tout plus de numérique ! C'est moins émouvant, mais c'est plus pratique, il faut bien l'avouer
Quant à savoir s'il n'y aurait pas là « un refus du progrès » et « une stagnation qui pourrait me bloquer », je crois que progrès et progression ne sont pas liés : progresser, c'est affiner son œil, sa dextérité, sa concentration, son imagination, sa culture ; on pourrait très bien faire ça en se convertissant au collodion humide ! Et inversement, on peut stagner en changeant de boitier tous les ans. Je ne refuse pas le progrès, mais je n'attends pas après lui.

Le mot de la fin est pour toi… Projets… coup de cœur, coup de gueule… c'est toi qui choisis

Parmi beaucoup de projets, le plus avancé : consolider ma série sur Le Père Lachaise.
Pour une fois, j'ai fait les choses sérieusement : documentation, repérages précis, matériel adapté… Reste plus qu'à remonter à Paris

Un coup de cœur, que je crois tu partages : la série de la jeune photographe Sara Imloul intitulée "Das Schloss / Le château", découverte tout récemment (sous le forme du livre, pour ma part, et d'une exposition, dans ton cas, il me semble… )

Un coup de gueule, adressé à moi-même : "Secoue-toi un peu !"

Enfin un grand merci, à toi, Evy, pour avoir organisé cet entretien, et à tous pour avoir eu la patience de lire mes élucubrations

Nous avons en effet eu le plaisir avec quelques membres du forum de découvrir le travail de Sara Imloul et je crois pouvoir dire que chacun a apprécié
Assurément une photographe de grand talent à découvrir et à suivre
Nous n'avons pas pu évoquer non plus Francesca Woodman pour son travail d'une puissance remarquable... ni Bernard Plossu que tu affectionnes particulièrement et à qui tu as fait des clins d’œil dans ta série sur Marseille
Il y a beaucoup d'autres photographes que nous aurions pu évoquer, oui...

Un grand merci à toi Frédéric d'avoir pris le temps pour cet échange.
Continues de "te secouer"... cela nous secoue un peu et nous ouvre de belles portes

Quelle échange!
Intense, profond, très intéressant. Merci à vous deux!

Grandiose interview, super enrichissante et rondement menée. Merci à vous deux.

Merci à vous deux pour une sacrée interview, je vais dormir moins bête ce soir pour tous les noms cités que je ne connaissais pas forcément.
Bonne suite

Oui merci à vous 2 !

Merci pour vos commentaires

Ce qui m'interpelle ici, n'est pas tant la photo, mais plutôt la démarche qui a beaucoup de sens ainsi que l'amour pour la photo de l'interviewé et de l'intervieweur.
Bonne continuation dans ton pèlerinage photographique Scribe.
Merci pour l'interview, cerise.

ps: il aurait été bon de remettre la présentation de Frédéric Petit pour ceux qui ne le connaissent pas.

une bien belle interview,

toujours étonnant de voir la différence de ressenti que l'on peut avoir sur des photos aussi "simple", comme ces 2 photos de mer dont je n'ai vraiment pas la même lecture

y'aurait matière à débat sur la partie consacrée au "non matos"...

Yep, chapeau bas à tous les 2

Merci à vous

L'un comme l'autre, nous avons pris plaisir à échanger sur ces thèmes je crois

Les lectures de chacun sur ces photos de mer pourraient être des plus intéressantes

La photo , c'est le matos.. ou pas en effet mais c’est aussi souvent beaucoup d'histoires personnelles qu'on y met fonction de notre culture, de nos expériences, caractères et goûts personnels.
D'où des lectures parfois différentes voir opposées

C'est aussi le patrimoine en particulier pour la photo de rue

Johan , je viens de rajouter le lien pour accéder à la première interview de notre ami Scribe... c'était un oubli de ma part..merci du rappel

Je sent que tu as lu Barthes. Merci pour le lien!

Merci Cerise et Scribe pour ce très beau duo sur la photographie !

Merci à tout le monde pour ces commentaires et précisions

rascal a écrit :y'aurait matière à débat sur la partie consacrée au "non matos"...

Bien sûr ! Nous n'avons prétendu ni l'un ni l'autre avoir une vision impérieuse (ni même raisonnable, peut-être ) de la chose ; et puis tous les domaines de pratique n'impliquent évidemment pas le même rapport aux outils, ou à la qualité de ces outils (Ou peut-être, inversement, adopte-t-on plus volontiers les pratiques qui correspondent le mieux au rapport qu'on a d'emblée envie d'avoir avec le matériel, qui sait ?)

Bonjour à tous !
Très mutique dans mes réactions (je regarde énormément les photos postées par de bien plus "photographes" que moi) sinon je passerais pour un pisse-vinaigre que je suis sans doute, je dois dire que Scribe est un de mes contributeurs préférés de ce forum: quelqu'un qui a des tas de choses à exprimer par ses images (et commentaires) sans se figer dans une pratique, ni s'obstiner dans une technique, un procédé, un style.
Loin des x centaines de photos de torrents, cascades, tempêtes, figées dans ces poses longues inexpressives avec filtre adéquat pour finalement rien de parlant, toutes les vues de Notre-Dame, ponts de Paris, captées aux aubes ou aux aurores, flamants roses et pâquerettes en gros plan, jeunes filles en fleur (parfois un peu fanées!), modèles acrobates ayant patienté des heures pour le réglage des projecteurs... Que les passionnés qui s'adonnent à leurs passions ne m'en veuillent pas, mais c'est quand même lassant à regarder, comme disait l'autre, t'en a vu une t'en a vu cent.
Je vous fais confiance pour tempérer in petto mes propos a priori très tranchants et désagréables, ici on est pour partager, apprendre, progresser; je pense que Scribe a plus un "regard" d'homme (valable pour une femme bien sûr, telle Cerise et autres) que de "photographe"
Scribe

Bon y ' en a qui sont habillés pour l'hiver!!!!!

Tous les goûts sont dans la nature et sont tous respectables, non?